Об авторе
Манифест художественной критики
   О проекте
   Заказать галерею, сайт
   Заказать статью
   50 лучших картин
   Заработок партнерам
   Обучение художникам
   Частные публикации
  ATRSOPHIA-SHOP


Ваши продажи 24 часа в сутки


  ТОП-статьи

Свет и изображение света


Как продать картину


Light and Sea Inside Me


The Perpetuum Mobile of Creativity


How to promote your art in a social network


Paintings from the before birth


The painting to understand ourselves


  Сайт АРТСОФИЯ предлагает:
   Пейзажная живопись Владимира Гремитских
Пейзажная живопись Владимира Гремитских.
http://www.sovjiv.ru/painters/grem/



Торжок
картон, масло; 49 х 64 см, 1970 г.

Давайте поговорим об искусстве пейзажа. Обычно пейзажную тему я обхожу стороной, как и тему советского искусства, считая, что у художника есть тысяча других привлекательных способов выразить в творчестве свой душевный мир. Однако многие собиратели искусства в России заняты исключительно тем, что коллекционируют пейзажи, тем более, что подобные панорамные виды, как на город Торжок, уже становятся редкостью, уходящей пусть в недавнее, но такое далекое прошлое. И этим людям было бы приятно услышать несколько слов художественной критики о жанре реалистического русского пейзажа.
Обозреть полностью русскую пейзажную живопись советского периода практически невозможно, и я почти наугад выбрал одного художника - Владимира Гремитских (1916 – 1991), творчество которого целиком приходится на пору соцреализма. Мы хорошо знаем, что духовное в тот период времени отвергалось коммунистами и нам навязывалось мнение, будто живопись это всего лишь отражение реальности, то есть, выборочное воспроизведение картин реальной жизни, чуть-чуть приукрашенное воображением художника. Именно в эпоху соцреализма достигло наибольшего расцвета искусство пейзажа, так как пейзаж внешне соответствовал материалистической концепции отражения реальности, и под этой ширмой художник мог свободно исповедовать свое внутреннее мировоззрение.


На Волге
картон, масло, 36,5х50,5 см, 1957 г.

Искусство пейзажа превратилось в своеобразную религию, которую не могло запретить государство. Находить прекрасное и что-то спасительное для души в таких простейших и мало чем привлекательных вещах, как этот лодочный причал на реке Волга, это и есть самая настоящая религия, но религия внутренняя, индивидуальная. В этой религии человек устанавливал связь своей души с универсумом, с Матерью-Землей и с Богом-Отцом, открывавшими ему глаза на скрытую красоту природного бытия. Писать иконы, библейские сюжеты и всякие там абстрактно-заумные непонятные простому труженику вещи тогда просто было невозможно, однако не запрещалось писать березы, лесные чащи, обрывы рек, массивы гор, утопающие в садах возвышенности, пашни, деревушки, станицы и хутора. В своем пейзажном творчестве художники советского периода поклонялись божественной природе, и через их вполне реалистическую живопись гласило духовное откровение о том, что все это временно, что некогда произойдет новый подъем и возрождение России, но не на почве индустриализации и материализма, а на почве расцвета искусства и творческого единения души человека с землей. Эти художники работали в довольно неплохих условиях, их деятельность охранял тогдашний Союз художников, внутри которого были многочисленные школы, учителя и ученики, и как результат были созданы такие шедевры живописи, которые не снились никому ни после ни до. Бесконечно многому можно научиться у пейзажистов советского времени. Но, к сожалению, мы очень мало знаем о них. Одним из художников, оставивших свой неповторимый след в пейзажной живописи советского периода, был Владимир Гремитских.


Последний луч
картон/масло, 40см x 64.5см, 1963 г.

Что можно сказать о пейзажах Владимира Гремитских? На первый взгляд кажется, что в них нет ничего особенного. В музеях, разбросанных по нашей стране, можно встретить то же самое и даже лучше. Ведь что сейчас ценится в пейзажах? В первую очередь величественность, потрясающе красивый вид, экзотика и цветовые эффекты. К примеру, горное ущелье с водопадом, или пылающий над морем закат, или парусник на фоне лунной дорожки, или цепь синих гор над бескрайними полями с пасущимися на стадами, с развитой сетью автомобильных дорог и инфраструктурой местности. А тут всё как-то до предела просто - обыкновенный лес, обыкновенный берег. Простота сюжета, прозаичность картины, крайняя скупость соц-реализма поначалу даже отпугивают, но потом, когда присмотришься, начинаешь вдруг понимать, что это как раз то, что нужно душе, эта простота на самом деле есть классическая простота, как бы последний луч классицизма. Когда входишь во внутренний мир художника, трудно потом возвращаться обратно. Душа требует еще и еще пейзажей такого же плана, и тогда понимаешь, что художник здесь вовсю развернулся. Картина «Последний луч» - о чем она? Настроение уходящего дня, последние отблески света на кронах деревьев. Окружающий мир впитывает последние мгновения теплого благословенного летнего вечера. Природа утопает в лучах спокойного нежного света, а через минуту ничего этого не будет. Вся красота исчезнет вместе с последним лучом, всё провалится в темноту. Рыбак на лодке внизу занят своим делом, и не догадывается о последних минутах торжества красоты. Об этом знает один художник! И вот это чувство безвозвратности уходящего света показано на картине. Все пейзажные работы художника – они в том же духе, они есть изображение какого-то вспыхнувшего потаенного чувства, какого-то мимолетного настроения, о котором хочет поведать его своеобразный, проникнутый божественным всеведением импрессионизм.


Зимний этюд
картон/масло, 37.5см x 56.5см, 1960 г.

Поражает разнообразие в пейзажах художника. В них не встретишь предпочтения одной излюбленной теме, одинаково легко он воспроизводит и лето, и осень, и весну, и зиму, и все переходные состояния. Было бы совершенно недостаточно сказать, что художнику особенно удаются сугробы снега, что он мастер изображения белого снега. Ну да, его снежные сугробы, конечно, бесподобны! Сколько в них цветовых оттенков! Там, где по мнению дилетанта должен быть один белый цвет! Сколько красок задействовано на картине, чтобы передать ослепительную игру солнца со снежной массой! В самом низу вы видите первый план, выполненный желто-коричневыми красками, вверху желтовато-бирюзовое небо, под ним темная узкая полоска деревни и леса неопределенного цвета, и только второй средний план картины содержит в небольшом количестве белый цвет, так сказать, физически имеющий отношение к снегу. Изобразить снег практически без белого цвета – это и есть мастерство.
Но при этом о художнике нельзя сказать, что живописное исполнение белого снега, февральских морозов и деревенских сараев по сути характеризует его индивидуальное творчество. Сказать так нельзя потому, что мастерство присуще всем его картинам, независимо от предмета, сюжета и композиции. Он нигде по большому счету не повторяются. Каждая картина являет что-то новое, как по чувству и настроению, так и по цветовой гамме. Сначала я хотел выбрать для статьи 3 сюжета, но не смог найти трех характерных картин, представляющих все его творчество. Мне пришлось выбрать 15 картин, и думаю, что это далеко не полный набор.


Весна
картон/масло, 30см x 40см, 1961 г.


То, что действительно характеризует пейзажную живопись Владимира Гремитских, - это стиль или манера письма. Работы выполнены крупными широкими мазками – как если бы наспех. Это так называемая пастозная живопись, техникой которой он владеет в совершенстве. Вглядевшись, вы увидите, что мазки идут в самых разнообразных направления и, на первый взгляд, хаотично. Несмотря на это, в композиции все абсолютно точно, нет ничего лишнего, ни один предмет не искажен в своей основе, как у модернистов, не упущена ни одна важная деталь. Мазки на небе верно передают состояние неба. Мазки леса верно передают состав и структуру леса, даже видны отдельные деревья и их полупрозрачные кроны. Поверхность воды верно передает ее отражающие свойства. Это удивляет и даже шокирует – как можно слету, одним мазком достигать такого эффекта!
Почему же художник выбрал такую манеру письма? Трудно сказать, наверное, так надо. За каждой картиной стоит определенное чувство, и, наверное, этому живущему в груди чувству уютнее обитать в пульсациях крупных насыщенных цветовых пятен, нежели в скрупулезно выписанных деталях. Здесь мы опять видим религию души, которая в своем поклонении природе производит настоящее чудо. Художник прекрасно знает, что если выписывать детали и фактуру, то чувство и настроение исчезнут, и вместе с этой информативностью из пейзажа из пейзажа исчезнет божественная душа. Для пейзажей Гремитских характерна эта нерастянутая краткость мазка, которая, как известно, сестра таланта.


Осень в лесу
холст/масло 56.5см x 71.5см 1949 г.

Как создается пейзаж? После просмотра пейзажей Владимира Гремитских понимаешь, что это одна из самых неразгаданных человеческих тайн. С одной стороны, эта картина «Осень в лесу» столь же проста, как проста обычная фотография. Те же законы тени и света, та же контрастность и яркость, то же светлое пятно в середине картины. Подобно тому, как прошедший через объектив солнечный свет высветляет на пластинке крошечные пятна определенного цвета, так художник под воздействием увиденного словно автоматически кладет на холст пятна цвета. Но, с другой стороны, он делает это, осознавая свое сродство с объектами, которые выходят из под его кисти. Фотоаппарат не знает, что совокупность рядом лежащих белых и черных пятен представляет из себя ствол березы, что более светлая область на переднем плане это кочка, а более темный мазок рядом - голова тетерева, высунувшаяся из травы. А художник все это знает. Все эти цветовые пятна проходят через его осознанное переживание. Создавая картину осеннего леса, он познает мир. Ценность картины в том, что в ней нет ничего непознанного – так сказать, от балды или от автоматического бездумного копирования – все на ней прошло через глубокое осмысление законов и понятий, и в своей совокупности поднимается на уровень чувства. Художник изображает не лес, а чувство единения с лесом. Это то, что мы называем словом «любовь».


Весна
картон/масло, 50 см x 80см, 1975 г.

Что значит отражение действительности? Где вы видите на картине действительность? В чем можете усмотреть реализм? Вы скажете, что это весенний лес над рекой, что далее, мол, видны деревья с первым пушком зелени, нагромождение камней, и еще два маленьких человечка в синей и красной курточках выглядывают из кустов. С этим можно согласиться. В принципе, эти вещи можно действительно встретить и даже найти место, которое художник выбрал для своего этюда. Но картина только притворяется таковой, на самом деле она говорит о другом. Если долго на нее смотреть, то она превратится в сочетание блоков, каждый из которых несет свою смысловую нагрузку. Эти блоки разделятся в свою очередь на еще более мелкие блоки, а те разобьются уже на отдельные мазки, и вы получите картину в том виде, в каком ее сознательно приготовил художник, то есть, идею картины. Тогда станет ясно, что идея картины состоит не в том, чтобы изобразить двух человечков в весеннем лесу. В действительности, их там и не было. А если бы и были, то могли уйти и переместиться в другое место. Художник добавил эти точки, потому что они хорошо туда вписываются, и лес после этого из мертвого превратился в живой. Идея картины та, что человек своим присутствием, своим пятном оживляют пейзаж. Отсюда уже один шаг до мысли о том, что смысл бытия человека на планете Земля состоит в том, чтобы оживить и одухотворить действительность. Без нас она умрет. Не мы паразитируем внутри живой природы, а природа благодаря нам становится одухотворенной и живой - такова наша концепция. Человек-творец-художник – это Бог живой природы.


Зимний лес
картон/масло 49.5см x 70см 1958 г.


Что из себя представляет лес зимой? Оказывается - смесь голубого, светло-розового и темно-зеленого. Как хорошо показано, что зимой лес теряет свою вертикальность. Всего лишь единственная черная мертвая палка торчит из сугроба. А где же лес? По одной этой палке мы, однако, догадываемся, что там далее целый лес из больших высоких деревьев, которые растут снизу вверх, от комеля до макушки! Не правда ли, здорово! Мазки такие мощные, быстрые и крупные…, тем не менее безошибочно можно установить, что солнце светит слева, и даже, что ветер дует со стороны зрителя вглубь картины. И если все это представить, то можно почувствовать и зимний холод, соответствующий температуре примерно минус пять-десять градусов. Почему мы, зрители, это чувствуем? Вероятно, за всем этим стоит опять же мыслительная работа художника, который каждому случайному мазку сумел присвоить свое значение и свое понятие. Работая, он разложил внутреннее переживание на простейшие элементы и понятийные конструкции. Он все проанализировал. А мы, когда смотрим картину, проделываем противоположную работу – из простейших понятий и конструкций синтезируем идею и чувство.


Апрель
картон/масло, 50 см x 35см, 1961 г.

Потрясающе передано весеннее состояние, когда сходит снег! Даже есть опасность провалиться и промочить ноги. Удивительная смесь тонких оттенков серовато-охристого и фиолетово-розоватого цвета. Если сравнить эти цвета с резкими контрастными цветами на предыдущей картине, то бросится в глаза очевидное потепление. Также можно заметить, что появились многочисленные вертикальные линии. Но интересно, что эти вертикальные стволы деревьев фактически не имеют почвы, растут ниоткуда. Отсюда и ощущение, что можно уйти вниз, провалиться в эту фиолетовую жижу. Ощущение это усугубляется тем, что два дерева справа образуют угол, расходящийся от вершины вниз. Художник все продумал до мелочей! Ведь если бы эти два ствола расходились вверх, тогда бы эта лужа внизу не казалась бы такой засасывающей и опасной. Наоборот, у двух деревьев, что слева, стволы расходятся вверх. Поэтому складывается ощущение, что там не так зыбко и можно стоять. Не знаю, обращает ли кто-нибудь из современных пейзажистов на такие «мелочи», но пейзажная школа советского периода очевидно знала, как конкретными приемами усиливаются ощущения сухости или мокрости. Теперь можно понять, почему старые серьезные художники так не любят абстракционизм. Потому что абстракционизм выплескивает вместе с водой и ребенка, а они очень ценят все те знания, которые помогают создавать сильные реалистические пейзажи, проникнутые реальными живыми чувствами и ощущениями. В этих пейзажах живет реальное существо, которое говорит нам, что все мы рождены из Бога. И с отказом от реализма в живописи все эти накопленные знания будут утеряны, что создаст и создает почву для атеизма. весенний лесной пейзаж, лес, ручей, талые воды, весна, апрель,


Свистуха
картон/масло, 36см x 60см, 1959 г.

Нам осталось рассмотреть всего несколько пейзажей, и совсем невозможно обойти молчанием деревенский пейзаж. Очень скоро все это уйдет в небытие, и вы больше не увидите таких деревень. Та группа людей, которые показаны такими крошечными точками, что даже трудно определить, куда они направляются, они ответственны на картине за присутствие высшего божественного. Без них картина пропадает, она становится мертвой и бессодержательной внешней картинкой, как сама умирающая деревня в наши дни. Поражаешься мастерству художника, умеющему создать эффект присутствия божественного на картине. Деревня показана еще крепкая и обитаемая, какой она и была очевидно в те годы. К этим домам да подойти бы поближе, да увидеть их изнутри! Откуда возникает чувство, что хочется посетить, прогуляться по этой деревне? Художественный прием очень прост – в деревню ведет дорога, и на дороге находятся те самые точечные люди, которые повсей видимости идут в сторону деревни. От этого и хочется войти вместе с ними туда!
Попробуйте теперь сказать, что эта картина чем-то отличается от иконы! Ведь душа зрителя хочет соединиться с тем божественным существом, которое обитает в картине. Она хочет войти в деревню.


Академичка
картон, масло; 45,5 х 62,3 см, 1964 г.

Дом творчества "Академическая дача художников" под Вышним Волочком Тверской области. На заднем плане виден так называемый Восьмигранник - деревянный павильон, сооруженный без единого гвоздя, возле которого И.Е.Репин написал известный этюд "На Академической даче", находящийся в Русском музее. Данный пейзаж можно отнести к разряду усадебных пейзажей, в которых одно некое здание выдается, представляет из себя что-то особенное, подобно церкви или храму, несмотря на то, что оно и находится на заднем плане. Фигура женщины в отдалении играет ту же роль, что и в предыдущем пейзаже, то есть своим присутствием оживляет картину и создает эффект божественного присутствия. Поскольку она частично находится на фоне здания Академички, это здание превращается в особенный таинственный центр картины. Удивительно, как гениально художник рассчитал все пропорции, добавив впереди обширное и пустое заснеженное пространство с едва различимой дорогой, ведущей от «храма»! Так как женщине предстоит еще большой путь по этому пустому пространству, создается ощущение исхода, как если бы божественное существо вышло из храма и делает шаг навстречу зрителю. В этой картине отношения противоположные, чем в предыдущей: если там зрителю хотелось сделать шаг во внутрь и войти в деревню, то здесь такое чувство, что сам Бог из картины делает первый шаг к нам навстречу. Возможно даже появление такого чувства, что это слишком возвышенно и недоступно, я не достоин находиться там, на этой Академической даче. Ибо там совершается таинство, происходит посвящение в творцы. Ощущение священности места возникает благодаря тому, что художник всего лишь правильно расположил простые с виду предметы, точно изобразив маленькую простую женщину, идущую в нужном месте по зимней дороге от академической дачи.


Торжок
холст/масло, 50см x 70см, 1967 г.

Странным может показаться этот городской пейзаж! Неизвестно, сохранились ли эти хаотические кривые постройки в городе Торжке в том самом виде, как их изобразил художник в шестидесятые годы. Просто не верится, что все это было еще каких-нибудь сорок лет назад. Хотя мелко-торговая суть, наверное, осталась неизменной. Кривое дерево на берегу еще больше усиливает впечатление беспорядка, а сочетание красного и белого на крыше соседнего дома говорит о таком же беспорядке во вкусах и представлениях горожан. Город словно повис промежуточной полоской между небом и водой, хотя и река-то не так глубока, и небо не так высоко, но вместе они создают полное ощущение беспочвенности и прозябания городской жизни. Вопрос: зачем здесь жить? Но как бы не дожидаясь ответа на вопрос, художник показал своими крикливо раскрашенными домами, что все это как бы обывательская мишура. Яркие краски, игрушечные квадратики домов и треугольники крыш – вот что создает необычайно привлекательную детскую картинку, и наверное, этой картинкой в чем-то одурманено сознание горожан. Однако художник заставляет это кривое сознание полюбить! Опять же своими излюбленными приемами – пустое пространство впереди и маленькие, совсем микроскопические фигурки двух личностей на берегу – они создают присутствие в пейзаже духа города. Жизнь не кажется поэтому такой бессмысленной в этом городке, потому что есть дух, художник сумел его схватить.


Волга
Пейзаж написан в Куйбышевской (Самарской) области.
холст/масло, 40см x 60см, 1952 г.

Невозможно не уделить внимание этому чрезвычайно интересному речному пейзажу с баржами на Волге. Вообще, редко где можно встретить, когда техника так удачно вписывается в природный ландшафт. Но главное здесь, конечно, не в технике, хотя внимание и приковывается ярко белым пятном к стоящим у берега баржам, а в том, как искусно создано ощущение громадного трехмерного пространства. Сосны на берегу усиливают ощущение большой высоты. Вся сосна помещается на переднем плане картины целиком, а берег, тем не менее, уходит еще дальше вниз. Баржи, стоящие у берега ответственны за второе измерение – протяженность ширины. Наконец, вереница более далеких барж на реке создает третье измерение – уходящей на многие километры глубины картины. Как это отлично от того, что непрофессиональные художники фотографически пишут в виде корабля плывущего по реке! Здесь же мы видим тот случай, когда технические сооружения (баржи) служат художнику не самоцелью изображения, а для его собственных художественных целей – передать дух пространства. Но это еще пол задачи. Вторая половина задачи заключается в том, чтобы правильно поместить дух пространства в нужную точку композиции. Где это место находится? Естественно, это хорошо видно, что на средней из барж, на ее пустой и светлой палубе. Неплохая площадка для духа пространства, не правда ли? И следующий момент – это уже относится к гениальности художника – эта средняя баржа как бы зажата между двумя. Любое пространство в реальности имеет границы, мы всегда в пространстве ощущаем эту зажатость.


На Волге
Пейзаж. Написан в районе Жигулей под г.Куйбышевым (Самара).
холст/масло 57см x 75.5см 1951 г.

Здесь мы видим еще один вид пейзажа – береговой пейзаж, который мы все встречали на картинах у разных художников. В отличие от пейзажей «Торжок» или «Последний луч», где реальность разделена на картине горизонтальными слоями, здесь композиция делится на правую и левую части, между которыми проходит граница суши и воды. Эта граница такова, что то суша вдается мысом в водное пространство, то водное пространство вдается глубоко в берег, и она тянется далеко-далеко. Это течение времени, на такого рода пейзажах художник показывает течение времени и чувство времени. Характерно, что в нижней половине картины мы опять видим лишенное различимых предметов пустое пространство – ничего не происходит здесь с границей, и все события имеют место только во второй, верхней половине картины. И вот, примерно посередине, маленькая человеческая фигурка (роль которой в пейзаже мы уже уяснили) выходит на песчаный мыс влево, вторгаясь из области суши в водное пространство. Позади нее – в виде равновесия данному поступку – остается лежать мертвое сухое бревно. И что происходит далее, в верхней половине? После этого береговая линия, которая до того неуклонно углублялась вправо в сторону суши, вдруг поворачивает влево, следуя движению человеческой фигурки, как бы подчиняясь ей. Так в жизни наши человеческие поступки изменяют ход судьбы, это закономерность человеческой жизни. Если ты что-то начинаешь делать, что идет вразрез с обстоятельствами жизни, то сначала какое-то время это еще продолжается, а потом жизнь словно поворачивается и начинает идти за тобой, в твоем направлении. Удивительно, как эти глубокие закономерности переданы в таком простом и казалось бы ничем не примечательном пейзаже.


Лодки в Гурзуфе
картон, масло; 49,5х69,5 1962г.

Наконец, еще один береговой пейзаж, который в чем-то перекликается с пейзажем «На Волге», только там показан вид со стороны берега на воду, а здесь – со стороны воды на берег. Соответственно речь здесь идет не о том, чтобы сесть в лодку, привязанную у берега, и отправиться в путешествие (подразумевается, путешествие сознания), а о том, чтобы причалить, найти правильное место для высадки на берег. Те лодки, которые брошены на берегу, говорят о том, что кто-то уже причалил, что есть люди, нашедшие себя, они уже карабкаются но горным кручам к своим жизненным высотам. А ты еще пока на воде и еще только ищешь свое место в жизни, тот исходный пункт, с которого ты начнешь строить себя. Данный пейзаж – это как бы ситуация человеческой души, здесь нет божественного присутствия, как на других пейзажах В.Гремитских, но зато здесь есть присутствие человеческого «я», которое должно сделать свой выбор. Сердцем пейзажа является большой береговой камень, это и есть краеугольный камень души, ее истинное человеческое «я», которое она ищет, путешествуя по морскому пространству. Найти этот камень и составляет счастье человека, его задачу в этой жизни.
В советскую эпоху, когда коммунистическая идеология не давала человеку творчески реализоваться и держала под запретом те знания, которые могли ему в этом помочь, пейзажная живопись являлась фактически единственным источником таких знаний. Живопись того периода содержит в себе очень много, бесконечно много, надо только научиться это знание ценить и читать.




  Галереи художников
  Cчётчик

Яндекс цитирования


  Регистрация

Логин:
Пароль:
 
  БЛОГИ
Личные страницы пользователей - полный список блог-галерей пользователей.
  Сайт АРТСОФИЯ предлагает:


АРТСОФИЯ - Художественная критика. Copyright © 2017. Михаил Андреев.